¡Bienvenidas a la exposición virtual de las obras finalistas de la I Edición del Premio Kreadoras 2026! Aquí podéis conocer más acerca de las obras finalistas de esta primera edición.

Queremos dar nuevamente las gracias a todas las artistas participantes, la calidad de las obras enviadas ha sido altísima. 💜

COLLAGE

1- «Emily» – Julien Rose

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Collage analógico/Mixed Media
Medidas: 21 x 29,7 centímetros
Descripción de la obra: Emily es una obra inspirada en los escritos de Emily Dickinson.

2- «Tracks» – Lisa Rubin Seligra

Año de realización: 2024
Lugar de realización: Barcelona, España
Técnica empleada/materiales: Collage y técnicas mixtas
Medidas: 60 cm x 60 cm x 3 cm
Descripción de la obra: «Tracks» es una reflexión sobre el tiempo profundo, la imposición de la actividad humana sobre el planeta y la pérdida de memoria respecto al papel y simbolismo de las mujeres y diosas en tiempos antiguos y prehistóricos.
En la parte inferior central del lienzo, un trozo de pared roto está fijado con una imagen en collage de la misteriosa sonrisa de una máscara Balinesa. A la derecha, objetos encontrados, como trozos de terracota, esponjas marinas y trozos de paredes, rodean la imagen parcial de una calavera. Esta calavera pertenece a la Dama de Cavillon, una mujer que vivió hace 27.000 años, y cuyo esqueleto se creía que era de un hombre debido a su altura, constitución atlética y su estatus importante reflejado en aspectos de su enterramiento.
En la parte superior central de la composición, una figura femenina se ha convertido en una diosa con cabeza de cabra, creada con collage sobre un trozo de madera. Detrás de la diosa, las vías del tren aluden tanto a la era industrial, donde los humanos comenzaron la alteración catastrófica de la tierra, como al concepto desconcertante del tiempo infinito. También podemos ver la imagen de Nefertiti de perfil, una pequeña máscara fantasmal sobre un trozo de cerámica rota, pinturas recortadas (pintadas por la artista) y fotos y trozos de tela con plantas.
Esta obra plantea preguntas sobre el papel de la mujer en la era pre patriarcal, el antiguo culto a las deidades femeninas, así como el destino de los seres humanos en el planeta.

3- «Mayo en Kabul» – Mercedes Mateos García

Año de realización: 2024
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Grabado: aguafuerte y aguatinta sobre plancha de cinc, y chine collé
Medidas: 35 x 50 cm
Descripción de la obra: Desde 2021 en Afganistán la situación de las mujeres es un dolor que llena nuestros y sus corazones, en cualquier mes, en cualquier lugar. La noticia de una inundación en Kabul en mayo vuelve a ahogar y detener a las mujeres bajo el burka y bajo el barro. Esto me lleva a hacer unos aguafuertes en color para poder salvar la alegría y colocar la imagen del periódico detrás de ese muro que es su represión.

4- «Todo lo que yace» – Celeste Fernández Moncada

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Jerez de la Frontera, España
Técnica empleada/materiales: Fotografía digital impresa con plotter, collage
Medidas: 8 x 5,8cm, 7,7 x 8,4cm y 8,3 x 7,7cm
Descripción de la obra: «Todo lo que yace» es un proyecto que aborda la identidad como una construcción frágil, sujeta a la tensión entre lo que se muestra y lo que se oculta. A partir de retratos intervenidos mediante collage, se despliega una reflexión visual sobre la fragmentación del yo y la imposibilidad de una imagen unificada.
La ruptura del papel no es solo un recurso formal, sino una metáfora de lo que no termina de encajar: lo que queda fuera de la imagen, lo que se pierde, lo que resiste a ser representado. Cada imagen revela una dualidad entre presencia y ausencia, entre lo que aparenta solidez y lo que se encuentra en proceso de derrumbe.
Las figuras aparecen veladas, desdibujadas, como si emergieran de un sueño a punto de disiparse. Esta cualidad onírica no suaviza la fractura: la hace más palpable, como si la memoria misma estuviera hecha de materia erosionada.
Las obras han sido creadas a partir de fotografías digitales impresas en plotter con tintas pigmentadas, y manipuladas manualmente. El resultado son composiciones que evocan un espacio intermedio, ambiguo, donde lo visible se desdobla y lo real se vuelve incierto.

ABSTRACCIÓN

5- «Nova Check» – María Toros

Año de realización: 2024
Lugar de realización: Bizkaia, España
Técnica empleada/materiales: Telas sobre madera
Medidas: 71,5 x 71,5 cm
Descripción de la obra: Investigación plástica del trazo y la línea como elementos esenciales de la creación de una imagen que parte de lo textil y los patrones, los tartanes y la repetición.

6- «Adopelágico» – Valeria Fontana Luccioni (Valeria Luccioni)

Año de realización: 2024
Lugar de realización: Barcelona, España
Técnica empleada/materiales: MONOTIPO: Colografía, aguatinta, punta seca y relieve en seco sobre papel Pescia Magnani
Medidas: 50 x 70 cm
Descripción de la obra: La obra es parte de una serie titulata “genius loci”. El genius loci es una entidad natural y sobrenatural vinculada a un lugar y objeto de culto en la religión romana desde la época de Augusto. En los tiempos modernos, el genio loci se ha convertido en una expresión adoptada para identificar un enfoque fenomenológico del estudio del medio ambiente y la interacción entre lugar e identidad.
El término genio loci significa identificar el conjunto de características socioculturales, arquitectónicas, lingüísticas, históricas y ambientales que caracterizan un lugar, un entorno, una ciudad.
Un término transversal, que suele indicar el «carácter» de un lugar, haciéndolo único e inmediatamente reconocible a los ojos del mundo.
Considerando el paisaje como una proyección de la propia identidad, la obra de arte en sí puede interpretarse como un paisaje interior capaz de expresar el genio loci del autor, su carácter y su naturaleza inconfundible. En concreto por lo que concierne esta obra en particular, la zona adopelágica es la parte más profunda del mar, donde no hay luz y la presión alcanza niveles tan altos que impiden la fotosíntesis. A pesar de ello, se ha descubierto que la vida se genera mediante reacciones químicas. Incluso en las zonas más remotas, difíciles y oscuras de nuestro ser, hay vida.

7- «Tramas» – Valentina Maio

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Obra gráfica. Tríptico. Aguatinta sobre tela de retor encolada y montada sobre bloque de madera; aguatinta sobre lino crudo montado sobre bastidor; aguatinta sobre papel Canson Edition 250 gr con trama de tela y gofrado
Medidas: 69 x 27,5 cm
Descripción de la obra: La técnica es grabado de aguatinta (obra gráfica) sobre varios soportes. Las formas fluctuantes están creadas con la ayuda de unas plantillas de acetato muy finas. El primer soporte, arriba del todo, es una tela de retor arrugada y «congelada» con grandes cantidades de cola y agua sobre una tabla de madera de 1,5 cm. El segundo es lino montado sobre mini bastidor, y el tercero es Papel Canson Edition de 250 gr blanco.
Sobre la plancha de zinc, ha quedado la trama de la propia tela que he vuelto a estampar sobre el papel canson edition (3er elemento, abajo del todo).
La obra en sí muestra una transición de un soporte a otro: uno grueso, matérico e ‘imperfecto’, inmóvil pero con una fuerte carga de movimiento. El segundo, (lino) montado sobre bastidor y que emula la pintura sobre un material cálido y, en apariencia, más firme y estéticamente más aceptado. El tercero y último, queriendo mostrar el uso más ‘ortodoxo’ del grabado pero que, en realidad, traslada la trama de una de telas sin identificar. Esto es, no se trata de una estampa directa, sino del sucedáneo de una de las anteriores, un infra reciclaje, si bien el diámetro de la imagen o mancha se va haciendo cada vez más estrecho.
El hecho de que la mancha gire en el sentido de las agujas del reloj no es casual, pues implica una parte del proceso de reelaboración de la matriz sobre los varios soportes.
Al contrario que las dos estampas anteriores, la tercera y última lleva consigo también la huella del gofrado de la propia plancha. La tela, traslada su trama pero no puede acoger plenamente todos los surcos de la matriz, mientras que el papel sí logra exaltar tanto los surcos como las tramas de la tela.

8- «Fuga» – Marga Corsin Estévez

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Tintas y acuarelas sobre papel ARCHES satinado
Medidas: 75 x 55 cm
Descripción de la obra: La obra es una invitación a reconectar con lo natural, lo sutil y lo esencial.

9- «Génesis» – Raquel Santana Castellano

Año de realización: 2026
Lugar de realización: Telde, España
Técnica empleada/materiales: GRABADO (plancha de cobre). Aguafuerte, monotipo y pan de oro sobre papel de alto gramaje
Medidas: 380 x 460 mm
Descripción de la obra: “Yo no salí de tu costilla, tú saliste de mi coño” – Lo recibí por WhatsApp. Era la imagen de una pared sucia en la que estaba escrita esta frase con spray negro.
“Para que compartas” – Volví a leer en la pantalla de mi móvil. Fue mi hermano, el que decidió apostatar de la Iglesia católica hace ya unos cuantos años.
«Génesis» es una pequeña pieza que dialoga sobre el origen, el principio, el germen, el comienzo y el nacimiento (RAE). Rozando la abstracción pretende sumergir a las espectadoras en un viaje sensorial a través de la contemplación. Este grabado, prueba única de autora, forma parte de un proyecto artístico que ahonda en cuestiones sobre el feminismo, lo humano, las maternidades, los horrores y las superaciones, las desigualdades o los fakes místicos, terrenales y digitales.
La cicatriz en la carne. Costilla. Vagina. Carne de mi carne.
Retablo contemporáneo para una iglesia sin Dios. Una suerte de dorada reliquia sagrada y universal. Arrastrando desde lo místico a lo terrenal no pide que santifiquemos el nuevo orden.
Amén hermanas.

10- «Arrecife» – Rocío García Muñoz

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Texturas arena y piedra
Medidas: 100 x 80 cm
Descripción de la obra: Arrecife que guía hacia los colores del océano y la paz que habita en él

11- «Entre dos aguas» – Ana González

Año de realización: 2022
Lugar de realización: Zarautz, España
Técnica empleada/materiales: Óleo sobre lienzo
Medidas: 73 × 60 cm
Descripción de la obra: La obra habla del momento en que una fuerza se encuentra con otra pero ninguna de las dos termina de imponerse. Sólo hay tensión, diálogo y movimiento.

12- «Fragmentos de mujer» – Mercedes Balaguer Mitjans

Año de realización: 2026
Lugar de realización: Valencia, España
Técnica empleada/materiales: Acuarelas, tinta china y pan de oro
Medidas: 60 × 50 cm
Descripción de la obra: Representa una presencia femenina construida desde la fragilidad y la fuerza. El trazo sostiene, la mancha respira y el dorado revela aquello que, aún herido, permanece valioso.

HIPERREALISMO

13- “Que las cosas sucedan” – Alessia Bayro Ciummelli

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Óleo sobre lino
Medidas: 73 x 92 cm
Descripción de la obra: Pieza autobiográfica que se inspira en la práctica artística entendida como un vínculo íntimo con la propia sombra, donde se revelan paralelismos entre el impulso creativo y el desgaste emocional. También aflora una reflexión sobre la relación tóxica con el tiempo: un bucle de intento y renuncia en el que la creación misma funciona, a la vez, como refugio y condena.

14- «Verano» – Paula Jiménez Díez

Año de realización: 2024
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Óleo
Medidas: 40 x 30 cm
Descripción de la obra: Bodegón

15- «Batman de Paul Parsons» – Elisabeth Rojas

Año de realización: 2022
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Pastel
Medidas: 50 x 65 cm
Descripción de la obra: Máscara de Batman con diseño de Paul Parsons.

16- «Inasible» – Anabel Lucas Barba

Año de realización: 2026
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Grafito sobre papel
Medidas: 29,7 x 42 cm (DIN A3)
Descripción de la obra: “Inasible” explora la fragilidad de la identidad en momentos de presión emocional. La figura, representada con un hiperrealismo minucioso, oculta su rostro entre las manos, gesto que sugiere un intento de contener algo que se escapa: un pensamiento, un estado anímico, una versión de sí misma. El rostro refuerza la idea de lo intangible, de aquello que no puede definirse ni atraparse del todo. La obra invita a contemplar la tensión entre lo que mostramos y lo que ocultamos, entre la presencia física y la ausencia interior.

17- “Pastizal” – Victoria Neira Urzúa

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Villarrica, Chile
Técnica empleada/materiales: Óleo sobre tela
Medidas: 60 cm diámetro
Descripción de la obra: Esta obra pertenece a la serie «Sinestesia del viento, anatomía de la resistencia». La fuerza invisible del viento se traduce en lo visual donde el aire en movimiento no se escucha, sino que se ve. El pasto desnudo en su entrelazado lineal es un esqueleto tenaz que aguanta la intemperie, revelan la geométrica del paisaje.
Estas obras exploran la tensión entre lo visible y lo invisible capturando la fuerza y el movimiento que definen la existencia.

OTROS ESTILOS DE ARTE FIGURATIVO

18- «Herencia» – Carolina Gabaldón Santos

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Ponferrada, España
Técnica empleada/materiales: Grabado en tetrapak y bordado
Medidas: 29,7 x 42 cm (sin marco), 40 x 50 cm (con marco)
Descripción de la obra: «Herencia» habla sobre la minería del carbón en El Bierzo y el sacrificio humano que la sostuvo. Una mano perforada, convertida en túnel, hace referencia a la crucifixión, sacrificio, dolor y entrega del cuerpo permanente del trabajo minero. En la mano, la vegetación alude a la tierra y al origen natural del carbón. El hilo rojo, simboliza una herencia impuesta para hombres, mujeres y niños.

19- «Taaaaaaaaan cansada» – Alba García (Alba Gabriel)

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Acrílico sobre lienzo
Medidas: 60 x 60 cm
Descripción de la obra: “Taaaaaaaaan cansada” es parte de una serie llamada “La contemplación como resistencia”: pinturas que surgen de la necesidad de detenerse y observar. Inspirada en las ideas de Thoreau, la obra propone la contemplación como un acto político frente a la hiperproductividad contemporánea. A través de la figura de la mujer, las obras devuelven a los cuerpos femeninos el tiempo de observar y de simplemente estar, transformando la quietud en un lugar de libertad y pensamiento. “taaaaaaaaan cansada” está además acompañada de un pequeño texto que dice: “hay un nuevo curso para mi alerta de empleo: CÓMO AUMENTAR TU RESILIENCIA me dice Linkedin. ¿Por qué tengo que ser resiliente y no volverme loca? AAAAHHHHHHhh.

20- «¿Por qué?» – Davinia Franco Pérez

Año de realización: 2023
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Acrílico sobre lienzo
Medidas: 90 cm diámetro
Descripción de la obra: Una madre, tres hijos, una huida. Un padre que queda atrás, obligado por la patria. Una mascota, abandonada, comparte el mismo destino de soledad. Su nueva realidad es un pan bajo el brazo, un trolley cargado de recuerdos, y un peluche que ya no juega. La guerra arranca lo cotidiano y entrega un futuro incierto. En este círculo sin fin, donde el dolor siempre se repite, no hay respuestas, solo una pregunta que arde: ¿por qué?

21- «The Light» – María José Mora Anaya

Año de realización: 2024
Lugar de realización: San Sebastián, España
Técnica empleada/materiales: Óleo y acrílico sobre lienzo
Medidas: 56 x 43 cm
Descripción de la obra: «The light» es una de las obras que forman parte de la serie «Hutsa», que retrata testimonios cercanos de mujeres y su percepción corporal, así como la lucha constante por la autoaceptación en un contexto estético marcado por los cánones impuestos y con una amenaza cada vez más presente: la presión estética interpuesta por las redes sociales y la inteligencia artificial. Como reacción, «Hutsa» intenta materializar corporalidades señaladas como erróneas, paralelas a la abstracción, a composiciones de elementos que no pueden verse en el plano de lo real, que no existen.
La palabra «Hutsa» en euskera se traduce como vacío o nada, pero también falta, desacierto, imperfección, carencia o defecto. Esta realidad vacía podría definir el concepto general que se posee de la abstracción como expresión que no toma como referencia ninguna realidad externa, que representa entidades visuales que no tienen cabida en el plano sensorial. Crean un imaginario basado esencialmente en lo alejado de lo tangible, en lo imaginario y literalmente no presente en la realidad.
Del mismo modo, las corporalidades consideradas no normativas no se encuentran representadas en las imágenes reproducidas por los medios. No son sólo los de comunicación tradicionales los que evitan mostrar este tipo de cuerpos o imágenes, sino que nuevas plataformas como las redes sociales continúan mostrando realidades corporales canónicas, y en ocasiones alteradas por efectos o filtros para alcanzar dicha normatividad. En el caso de creadoras y creadores en situación de precariedad económica que no cuentan con modelos para su práctica artística y pictórica, se emplean como modelo imágenes tomadas de plataformas de contenido artístico o fotográfico como Pinterest, que no se encuentra alejada de esta situación en cuanto a la representación de todo tipo de corporalidades. Esto crea un escenario en el que los retratos pictóricos o incluso ilustraciones contemporáneas muestran un tipo de cuerpos y rostros homogéneos y con la misma tipología de rasgos normativos y producidos por estos medios.
«Hutsa» retrata testimonios cercanos de mujeres y su percepción corporal, así como la lucha constante por la autoaceptación en un contexto estético marcado por los cánones impuestos y con una amenaza cada vez más presente : la presión estética atravesada por las redes sociales y la inteligencia artificial. El vello corporal, la textura de la piel, los granos, las verrugas y manchas en el cuerpo femenino no son aceptados como aceptables en la representación social pero tampoco en aquellas imágenes producidas en un contexto artístico, y se presentan de forma aislada y anecdótica como una realidad a reivindicar, pero no como simplemente la creación de un objeto artístico bello y estético.
«Hutsa» trata de dibujar un paralelismo entre la abstracción y los cuerpos no normativos, como respuesta a su ausencia tanto en la representación popular como en los nuevos medios.

22- «Telma» – MªJosefa Postigo Ruíz

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Óleo sobre papel de lienzo
Medidas: 41 x 33 cm
Descripción de la obra: Telma en Cadaqués

FOTOGRAFÍA

23- «Doble eme: El mercado en la mesa» – Orly Morgenstern

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Fotografía
Medidas: 40 x 60 cm
Descripción de la obra: La obra presenta una naturaleza muerta que reinterpreta el bodegón clásico e integra tanto elementos orgánicos como objetos de valor personal. A través de una composición precisa de frutas, relojes y fragmentos de porcelana, la pieza reflexiona sobre la dialéctica entre lo cotidiano y la preservación del tiempo. La propuesta visual se complementa con una dimensión narrativa fundamental: una carta que profundiza en el contexto geográfico y emocional de la toma, vinculando la estética de la imagen con una reflexión escrita sobre la memoria. El proyecto completo y la carta que acompaña a la obra pueden consultarse en: https://mesangrabalanariz.substack.com/p/naturaleza-muerta-con-relojes-anillos

24- «Denominación de origen» – Paula García Fernández

Año de realización: 2024
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Fotografía digital
Medidas: Adaptable, actualmente impresa a 45 x 30 cm
Descripción de la obra: «Denominación de origen» propone una relectura crítica del imaginario nacional a partir de la ironía y la performatividad. La obra, basándose en los códigos más identificables del folclore —el vestido de volantes, el gesto solemne, el rojo intenso— crea una escena donde la noción de «lo español» se presenta como un artificio elaborado meticulosamente. El jamón, que aquí se vuelve un ícono casi ritual, actúa como un símbolo desplazado: un objeto de la vida diaria que asciende a tótem identitario y que, al estar en manos de una persona cuyas características no corresponden con el estereotipo étnico anticipado, desactiva cualquier interpretación esencialista.
La actriz principal manifiesta una presencia directa y decidida, que trastoca la narrativa convencional vinculada al folclore y convierte el escenario en un ámbito político. Su imagen no simboliza la «españolidad» normativa, sino que pone en duda quién tiene el derecho de asumirla y qué cuerpos han sido excluidos históricamente de la narrativa nacional. En este sentido, la obra se relaciona con la teatralidad barroca, el exceso de colores y la estética performativa como instrumentos para demostrar que toda identidad cultural es profundamente mestiza, coreografiada y fabricada.
La propuesta artística no tiene como objetivo reproducir un mito, sino desmantelarlo. La obra transforma la tradición en ficción y la ficción en espejo, sugiriendo que se interprete la cultura popular no como un patrimonio inmutable, sino como un mecanismo que cambia constantemente por medio de migraciones, cuerpos distintos y nuevas maneras de presencia. De este modo, el trabajo sugiere una iconografía nacional distinta: una España viva, híbrida e interpelante que, a partir de la ironía y la afirmación, reconstruye su propio acervo simbólico y donde lo «puro» se manifiesta al final como un artefacto imaginario.

25- «Lola» – Irene Gordillo Peñas

Año de realización: 2025
Lugar de realización: Madrid, España
Técnica empleada/materiales: Fotografía
Medidas: 40 x 30 cm
Descripción de la obra: No conozco su nombre pero siento que conozco su historia. Una historia que no sentiríamos ajena que no hablaría solo de ella. Cuando imagino las mujeres que me precedieron , cuando intento visualizar su apariencia siempre sin excepción las imaginó valientes y tercas; como Lola.